lunes, 16 de julio de 2018

Carla Forte: «El cine para mi es una necesidad»


El cine y sus protagonistas (2018)
Importantes premios a nivel internacional otorgados al cine venezolano en los últimos tiempos reflejan un significativo desarrollo en la calidad de las producciones cinematográficas nacionales. Parece que un grupo de realizadores en la actualidad están apostando por un cine mucho más alternativo y de calidad artística. Entre esos talentos que empiezan a destacar en el cine venezolano está Carla Forte, una artista formada en el teatro y la danza que ha encontrado también en el cine una forma de expresión con resultados muy positivos. Iribarren Films se complace al poder conversar con ella para conocer un poco sobre su quehacer en el mundo cinematográfico. 
Durante nuestra juventud somos susceptibles a ser influenciados por personas que admiramos y si nos toca tenerlos como maestros, esto puede determinar nuestro futuro profesional. ¿Qué personas han marcado tu vida y de qué manera particular han encaminado tu carrera como cineasta? 
Hay varias personas que han marcado mi vida profesional, una de ellas es mi hermano Vicente Forte quien desde mi adolescencia me mantuvo conectada con el cine de autor. Vicente es un artista muy intelectual, siempre ha sido un devorador de libros, un escritor y artista plástico increíble. Soy su fan número uno y solemos colaborar juntos en cada proyecto. También tengo que mencionar a Maritza Sillie y Vicente Forte, mis padres, tal vez una influencia más emocional que profesional pero ellos han estado incondicionalmente siempre para mí en todos los sentidos. 
Por otro lado, yo estoy cada día más ligada a la improvisación y eso se lo debo a mi compañero de vida y maestro Alexey Taran, quien durante quince años me ha brindado las herramientas necesarias para poder crear mi propio mundo creativo. 
Ver muchas películas me ha hecho crecer también. Existen cineastas que admiro y respeto. Entre mis favoritos están Béla Tarr, Jim Jarmusch, Lars von Trier, Michael Haneke, Francis Ford Coppola y Fina Torres.
Formas parte de una generación de cineastas que están revitalizando el cine venezolano con nuevas propuestas, y en tu caso, a través de un cine con un sentido más estético y artístico. ¿Cuál es tu visión del cine y cuáles son tus objetivos como artista? 
El cine para mi es una necesidad, un medio que utilizo cuando quiero comunicar algo. Las propuestas visuales que llevo a cabo siempre reflejan parte de lo que soy y lo que me conmueve. Mi objetivo es materializar las ideas sin darle importancia a las etiquetas. Poder crear sin límites en el lenguaje es muy importante dentro de mi proceso. El objetivo principal es siempre la libertad.


Tu producción audiovisual ha sido muy variada: ficción, documental y videoarte. A partir de esa experiencia ¿qué posibilidades ves en cada uno de ellos? 
Las posibilidades son infinitas en cada uno, lo importante es estar claro de lo que deseamos expresar. En mi opinión, el «como» solo importa para definir la línea del trabajo a seguir; para luego, poder romper con las estructuras. 
Tu más reciente largometraje ANN, por el cual has recibido múltiples reconocimientos, fue rodado en cinco días pero ensayaste por casi seis meses según declaraste. Imagino que esto implicó un trabajo muy minucioso con los actores. ¿Cuál es tu metodología de trabajo con los actores para lograr de ellos la mejor interpretación posible? 
Siempre es diferente, todo dependerá del proyecto. Yo particularmente vengo del teatro físico y la danza, lo que me permite llevar un proceso creativo más abierto a la experiencia y a la improvisación. 
Específicamente con ANN era importante estar realmente listos con los diálogos y las acciones una vez que estuviéramos en set, solo teníamos cinco días para rodar. Esto fue una decisión propia y de equipo basada lógicamente en nuestro presupuesto. ANN se trabajo como una obra teatral para luego llevarla a la pantalla.


Estudiaste en Venezuela y Argentina, y actualmente estás residenciada en Estados Unidos, esto te permite tener una visión un poco más amplia del quehacer cinematográfico de la región. A tu juicio, ¿cuáles son los retos que debe enfrentar un joven cineasta hoy en día en Latinoamérica? 
He tenido la suerte de viajar mucho y siempre veo y siento la misma inquietud en todas partes. Pienso que el reto principal de un artista es poder ejecutar su obra dejando a un lado los cuestionamientos. 
Hoy en día las posibilidades son infinitas. Podemos hacer cine aunque tengamos pocos recursos. Muchas veces, la fórmula tradicional limita a los artistas y creo que es importante saber romperla o darle un mejor uso a las herramientas creando con ellas algo mucho más poderoso. 
Otro reto que un artista debe afrontar es ser consecuente con su discurso, de esta manera le somos fiel a nuestro arte y a nosotros mismos. 
Tu quehacer profesional va un poco más allá del cine, también estás ligada a otras actividades artísticas y en eso tiene mucho que ver Bistoury Physical Theatre and Film. ¿Qué nos puedes decir de ese proyecto y qué papel juega el cine allí? 
Bistoury es la compañía que llevamos mi compañero Alexey Taran y yo. La comenzamos en Venezuela en el año 2005 y ahora está establecida en la Florida. Bistoury es nuestra excusa para crear, nuestra casa, nuestro nido de creaciones e ideas colaborativas junto a otros artistas de distintas partes del mundo. Bistoury es nuestro refugio, nuestro espacio para explorar a través del arte; incluido por supuesto, el cine.

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Para conocer más sobre Bistoury Physical Theatre and Film pulse AQUÍ

Entrevista:
Guillermo Chávez
Fotos cortesía de:
Carla Forte
Autor:

Alexey Taran

jueves, 12 de julio de 2018

Lo mejor del cine venezolano recorre el país


Cortesía de ACACV
Las películas ganadoras de la primera edición de los Premios ACACV (2018) se estarán proyectando a nivel nacional para brindar una nueva oportunidad al público venezolano de ver todas las obras premiadas por la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Venezuela. La gira comienza el sábado 14 de julio en el Teatro Lía Bermúdez de Maracaibo, con la proyección de la película Bárbara a las 3 de la tarde, y continuando con el recorrido en las demás ciudades hasta el mes de noviembre.
Fuente/Autor: 
ACACV
https://www.facebook.com/585275648337925/photos/a.802139793318175.1073741829.585275648337925/844167099115444/?type=3&theater

miércoles, 4 de julio de 2018

Medea suelta en Bobare


« ¡Oh, monstruo, la mujer a la que más odiamos
   yo y los dioses y toda la especie de los hombres,
   que a tus hijos osaste con la espada atacar
   siendo su propia madre y a mí así me matabas!
   Después de hacer tal cosa, tras acto tan perverso,
   ¿a la tierra y el sol te atreves a mirar?»
  Eurípides (Medea)

En medio de un calor más intenso que el usual, cierta tarde, llegué al Teatro del Sótano en donde realizaba los ensayos del grupo teatral. Hacíamos honor a lo experimental basándonos en algunas técnicas del brasilero Augusto Boal; deseaba inducir en el alumnado universitario una visión de la conexión ineludible y simbólica de algunos hechos noticiosos y el valor dramático contenido en su estructuración periodística. Dado que les pidiera para la clase de ese día llevar una nota de prensa con un relato inquietante, encontré a los puntuales participantes muy afectados en torno a una noticia de «sucesos».
—Es una Sayona… presa tiene que estar… 
—Tantas mujeres queriendo parir sin poder y viene esta… 
—¿Por qué no lo regaló si no lo quería? 
—¡Tiene que estar mal de la cabeza! 
—Es que el tipo la dejó por otra… 
Por lo que escuché, Medea andaba suelta en Bobare y el destierro la había hecho reincidente. Su marido se había ido con otra y a sabiendas de que el único nexo importante con este sujeto era esa criatura, fue aproximándose desde lo reverso del instinto materno y nada mas escuchó el llanto primero, agarró unas tijeras y lo silenció para siempre; quiso vengarse, dijo Ella, del daño que le había hecho el padre del niño al abandonarla. Comenté, ya en la clase, que la naturaleza humana en cuanto a su posibilidad de desequilibrio o descontrol ha sido la misma siempre. Cuando Eurípides nos legó Medea entregó un trozo de esa verdad y se convirtió en un clásico que lo percibimos en cualquier parte, en cualquier instante y nos sorprende que así vengamos desde siglos antes de Cristo. A un dramaturgo, mi amigo, Oswaldo Camacaro, alguna vez le escuché plantear, entre Directores de Teatro, un boceto de adaptación de Medea cuyo espacio dramático fuera un burdel del siglo XX: Medea, la Dueña Patrona y Jasón, cualquier paramilitar, cualquier Chapo; de inmediato se disparó el imaginario de ese colectivo y la mirada de los presentes en gesto goloso, casi delirante, hizo centro en esa tarde. 
Las adaptaciones son retadoras y constituyen recreaciones cuyo éxito consiste en atinar justo en la médula del argumento y su vigencia en tiempo y espacio; ya para teatro requiere de una condición sobre la cual se cierne un debate permanente: la fideli-dad. Y una adaptación para el cine exige la transformación de la palabra y de la acción ritual, en imagen y esa traducción al lenguaje cinematográfico constituya un guión en el cual se abandona el medio lingüístico para ser sustituido por el medio visual dando paso a una propuesta fílmica que incluye una fidelidad salvadora de la integridad del texto tal como se concibió. No obstante esta aspiración, lo que vemos a menudo es la Adaptación como respuesta a la necesidad de liberar lo creativo partiendo de un original y desde allí la génesis, en un medio diferente, de una obra con voz propia. 
Tantas veces hemos asistido a la proyección de alguna adaptación y los comentarios, ¿cuáles son, sobre todo si hay conocimiento del texto original? 
—¡La destrozaron… no es ni la sombra! 
Está bien… es fiel al espíritu del escritor 
—Le quitaron partes clave, pero no se quita que es una buena película. 
—¡Menos mal que le eliminaron ese final…! 
—¿Tú sabes…? En el original ella muere. 
Y vale mucho preguntarse: ¿es fiel la película a la letra o al espíritu de su fuente literaria? La respuesta está, quizá, en el supuesto de que el procesamiento de lo literario y lo fílmico vaya asistido en forma constante de esa premisa de fidelidad, quizá de la mano de su autor: Mario Puzo en El Padrino, Tennesse Williams en Un Tranvía llamado Deseo, Rómulo Gallegos con Doña Bárbara y La Trepadora, donde el autor va dando anuencia al proceso de transformación fiel, aunque en algunos casos percibamos, como en Medea, el sacrificio de la criatura. Pero una adaptación, tal como opera comúnmente en la realidad, incita a la libertad y mirando de reojo el apego a su forma y contenido, se cuestionará esa fidelidad aunque se busque, por cuanto están en juego tres espacios mentales muy subjetivos con lecturas de la historia bastante disímiles, rara vez coincidentes: 
a) La lectura del novelista o dramaturgo, fuente literaria 
b) La lectura del guionista, traductor para el lenguaje cinematográfico 
c) La lectura del cineasta, realizador de una película. 
Frente a la resolución de estos escenarios en la procura de un producto final llamado ADAPTACIÓN, surgirá siempre con nostalgia o con algún otro sentimiento menos noble la idea de la traición como un sesgo pro literario (observada más en el caso de clásicos universales) que competirá con otra postura muy común y generalizada en la cual se considera que los directores tienen toda la facultad para hacer uso libre y creativo de cuanto se haya escrito sin que tenga que ver el cumplimiento o la violación de ninguna norma para adaptación de textos, tomando en cuenta que las películas son buenas, no por la reverencia a ningún autor sino por la capacidad de recrear con calidad grandes historias.
No obstante, es fácil verlo desde la butaca. Pero, ¿qué razón opera en el guionista frente a este mar de contradicciones, cuando al estar en las profundidades deseando traer a la superficie de lo visual, cinematográfico, lo que fuera imaginado desde una perspectiva verbal? Experiencia compleja, más allá de tecnicismos, porque la vida actual es una gran Torre de Babel, descrita así por el escritor Gabriel García Márquez, saturada de medios de comunicación, de mega conciertos musicales, foros de Internet, llamadas en conferencia, transacciones virtuales, redes sociales, préstamos de contenidos y plagios consentidos, «covers», «remakes». Al parecer ya se ha inventado todo y no nos queda más que hacer uso del reciclaje y las adaptaciones sean la forma de volver a contar algo que nos inquiete como sociedad, como humanidad, haciéndole frente a la reproducción mecánica y a la comunicación electrónica en un panorama de repetición que no debería alarmarnos. Ya desde hace tiempo el concepto de los clásicos se internalizó en el mundo del arte para no irse más y desde allí la teoría de tipos, prototipos, arquetipos, estereotipos, no hace sino mostrarnos que la búsqueda de la condición humana, su angustia, sus perversiones, sus virtudes han sido siempre las mismas. Su deseo de gloria, su desazón ante la pérdida, su apasionamiento frente al objeto de deseo, su ambivalencia, su confusión, son parte integral de la condición humana. Miremos a nuestro alrededor y constataremos que todo está al alcance de nuestras manos para ser reutilizado, desde las más antiguas historias de tradición oral, porque pareciera que el destino de los humanos es repetir la historia y para cambiar el espacio, el tiempo, está el escritor adaptador, lo demás, el argumento, es el mismo, la misma trama hecha de hilos oscuros e hilos luminosos. 
Así, la experiencia para cualquier guionista estará en: 
1) Leer todo lo que se presente de la literatura universal, no sea que se tenga como un hallazgo la historia que protagoniza el señor de la esquina y se aliente la esperanza de una novedosa producción. Cualquiera sea la historia muy probablemente ya está escrita como mito, como novela, como cuento, como obra de teatro desde hace muchísimo tiempo. Es mejor y más honesto reconocer a quien se nos adelantó y le dio estructura literaria primero.
2) Desarrollar la capacidad de imaginar la futura obra en términos de imágenes y sonido, plasmándolas con descripciones detalladas y dándoles secuencia. A esto se denomina uso del lenguaje audiovisual en el cual se utiliza la palabra como un apoyo para tramar, narrar sucesos de tal forma que ocurra una transcripción de las imágenes sobre el denominado guión cuyo destino, jamás será el de ser leído en forma masiva. Un guion será asunto que lee un equipo de productores que desea un fruto audiovisual. 
3) Asumir en profundidad su trabajo de escritura; esto implica ver muchas producciones fílmicas desde una óptica crítica, reconocer el valor de la imagen visual y sonora así como obtener nociones básicas de montaje, de puesta en escena, de trabajo actoral, ya que este tipo de escritura exige pensar en forma sui géneris, para captar lo imprescindible del mensaje y enunciarlo con toda la precisión descriptiva propia de lo audiovisual. 
No es poco lo que nos queda por decir respecto a las adaptaciones y la escritura de guiones, sin embargo pudiéramos, como conclusión, agregar el que cada guión llega a ser una experiencia muy personal para quien lo escriba y la subjetividad junto a la intención de lo que se quiera extraer del original dará respuesta a una búsqueda en la que participan un conjunto de creativos, con múltiples opiniones y deseos, haciendo ardua la realización de un filme. Aun así la presencia del o de la guionista ha de sentirse por la claridad en sus ideas y sobre todo en tomar posición frente a sí mismo, los otros y el mundo, no sólo en un sentido ideológico, sino también en un ámbito ético y de compromiso ciudadano, quizá como la utopía, que al decir del cineasta argentino Fernando Birri, nos sirva para reconocer un camino y avanzar. Sin sorpresa aproximamos el final de esta entrega y queriendo ser originales, sin lograrlo, abandonamos el plató; una luz se cierra a nuestro paso, crujen las ventanas y un viento, al mover las hojas de los árboles, reproduce las notas de una canción de cuna al tiempo que se muestra un cielo bastante oscuro; comienza a llover copiosamente. Fieles a nuestro destino, nos cerramos el abrigo, nos calzamos el saludo (como Cortázar) y los guantes, abrimos el paraguas y a pasos agigantados desaparecemos raudos entre el torrente.
Autora: 
Francia Ortiz González

Nacida en Barquisimeto (1962),  actriz de teatro y cine. Docente teatral en las aéreas de actuación y expresión corpo-vocal. Dramaturga con acercamientos al guion cinematográfico. Ha participado en el trabajo de producción cinematográfica en cortometrajes y videos. Es directora del Taller Integral de Formacion Teatral de la Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado de Barquisimeto. Poeta con publicaciones en revistas y páginas literarias y los libros: Cuentos Cortos (1987), La que va conmigo (2007) y El árbol que espera (sin publicar). Es licenciada en Administración Comercial (1995) con una maestría en docencia universitaria (2005) y diplomado en animación sociocultural (2007). Es facilitadora desde el 2002 del Taller Libre de Yoga de la UCLA.

Para ver otra publicación de Francia Ortiz pulse AQUÍ

Habla McGuffin es escrito por Francia Ortiz. Iribarren Films publica este espacio como una contribución al desarrollo de la cultura cinematográfica, sin embargo, las opiniones emitidas en él son responsabilidad únicamente del autor.

miércoles, 20 de junio de 2018

Ganadores de la primera edición de los Premios ACACV


Cortesía de ACACV
La Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Venezuela celebró la primera edición de los Premios ACACV en el Teatro del Centro Cultural Chacao. Fueron galardonadas como mejores películas El Amparo de Rober Calzadilla y Cabrujas en el país del disimulo de Antonio Llerandi y Belén Orsini. Más de 300 personas de la comunidad del cine nacional dentro y fuera del país, luego de visualizar las películas inscritas este año, hicieron su elección de los ganadores para esta primera edición.
La lista completa de los galardonados está disponible a través de la página web de la ACACV (ver lista de ganadores)
Fuente/Autor:
ACACV
Foto cortesía de:

viernes, 15 de junio de 2018

Se fue Castillito, iba montado en uno de sus sueños



José Castillo, conocido cariñosamente como Castillito, fue un pionero del cine animado en Venezuela; realizó cortometrajes utilizando la intervención directa de la película celuloide. Tuvo innumerables reconocimientos en festivales a nivel mundial. Produjo más de 20 filmes de manera artesanal y sin recursos financieros. Sus obras más reconocidas son  ConejínLa hormiga de Hiroshima, La cueva, Fantasía china, Cinético, Fiesta, La serpiente emplumada, Fantasía japonesa, Platero, La Cucarachita, Reverón y ¡Ay Zaragoza!, entre otras.
Fuente/Autor:
Carlos Gutiérrez

lunes, 11 de junio de 2018

A Hard Day`s Night


A Hard Day`s Night. Distribuidora: United Artists; director: Richard Lester; productor: Walter Shenson; guion: Alun Owen; actores: The Beatles —John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr—; música: The Beatles, George Martin; género: comedia/musical; país: Reino Unido; duración 87 min; año: 1964. 
Los Beatles están teniendo un día duro, no solo deben cumplir con una extensa gira de conciertos sino lidiar con un grupo de fans que los acosan en todo momento y para colmo tienen que cuidar al excéntrico abuelo de Paul. Será el día y la noche más larga de Paul, John, George y Ringo: los Beatles. 
En su primera travesura cinematográfica los Beatles nos demuestran lo que fue su época, sus inicios y su gran éxito. En medio de sus canciones y muchos gag de comedia, la película de Richard Lester nos muestra el fenómeno de masas que fue el grupo de rock más famoso de todos los tiempos, no solo es una joya para los amantes del rock sino también una joya desde el punto de vista cinematográfico; considerada por la revista Time entre las 100 mejores películas (ver lista)
Por supuesto, la música es la principal protagonista, de hecho, se dice que la película fue una excusa de United Artists para poder grabar un disco con temas de los Beatles.
El principio del filme lo dice todo: los cuatro de Liverpool corriendo por la calle siendo perseguidos por un montón de fans al son de A Hard Day`s Night es una de las secuencias más particulares realizadas en el cine, el espectador siendo fanático de los Beatles o no quedará enganchado, después de todo es una locura, con mucha música, mucha comedia y la presencia de los Beatles en el comienzo de su legendaria carrera. 



Los Beatles completaron su carrera cinematográfica con 4 películas más, después de ésta vendría Help! hecha ya en colores y con una trama más disparatada, Magical Mistery Tour, tal vez su único bajón ya que se trato de un filme prácticamente carente de guion; la maravillosa Yellow Submarine, una fantasía de dibujos animados cargada de mas música y mucho contenido visual; y Let it be documental que narra los últimos momentos del grupo.
Existe un álbum recopilatorio de los Beatles, llamado Reel Music (ver imagen), el cual es una compilación de lo mejor de los temas musicales de sus películas. La caratula muestra al cuarteto frente a un cine donde se presentan todas sus películas, ya solo la caratula es para mí una joya; que decir de todo lo demás.
Autor: 
LUIS STEELHEART 

Licenciado en Administración de Empresas. Ha participado en diferentes actividades de cine-foro principalmente en el Cine Club Charles Chaplin y en la Biblioteca Pública Pio Tamayo, además de realizar colaboraciones en diferentes actividades de cine en los lugares antes mencionados y otras instituciones como la Universidad Simón Rodríguez, el CIECA, la UPEL y el Liceo Lisandro Alvarado. Steelheart es un cinéfilo y coleccionista de artículos relacionados con el cine. 

Para ver otras publicaciones de Luis Steelheart pulse AQUÍ


Fuente/Autor:
Movieclips Classic Trailers
https://www.youtube.com/watch?v=Pbg8T9r1DiQ

El cine de mi colección es escrito por Luis Steelheart. Iribarren Films publica este espacio como una contribución al desarrollo de la cultura cinematográfica, sin embargo, las opiniones emitidas en él son responsabilidad únicamente del autor.

viernes, 8 de junio de 2018

Sergio Monsalve: «se están haciendo unas películas que son "brutales", "brutales", en Venezuela»


Impresiones del crítico de cine Sergio Monsalve sobre el Festival de Cine Venezolano 2018. «Que hayan seis películas o siete películas de calidad en medio de una muestra de cine venezolano del año es una cosa inverosímil» apuntó de manera positiva Monsalve en este vídeo. 
Fuente/Autor:
Sergio Monsalve
https://www.facebook.com/sergio.monsalve.779/videos/10156484731366214/?fref=mentions

jueves, 7 de junio de 2018

Hijos de la sal gana el Festival de Cine Venezolano

Hijos de la sal, de los hermanos Luis y Andrés Rodríguez, fue la mejor película del Festival del Cine Venezolano 2018. El filme se llevó 7 galardones: Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actor, Mejor Actriz, Mejor Actor de Reparto, Mejor Sonido y Mejor Música. La familia de Gustavo Rondón recibió por su parte seis galardones y El Vampiro del lago de Carl Zitelmann fue reconocido con dos premios además de la Mención Especial del Jurado. La lista completa de ganadores la pueden ver a través de EL NACIONAL
Fuente/Autor: